viernes, 14 de marzo de 2014

2DO ENCUENTRO INTERNACIONAL DE MURALISMO MONTEVIDEO 2014

COLECTIVO ARTE EN LA ESCUELA.
MONTEVIDEO 15 16 Y 17 DE MAYO.

MAYO 2014
COLECTIVO ARTE EN LA ESCUELA
(Gustavo Baldovino – Alejandra Gutiérrez – Claudia Ríos – Vladimir Rivoira- Patricia Mastroianni)




2° ENCUENTRO DE MURALISMO EN MONTEVIDEO

“HOMENAJE A LOS MURALES DEL TALLER TORRES GARCÍA EN EL HOSPITAL SAINT BIOS”
En conmemoración del 70 aniversario de la creación de dichos murales, en 1944.


Evento
    En el marco del 70° Aniversario de la realización de los murales del maestro Joaquín Torres García y sus discípulos, en el hoy llamado “Centro Hospitalario del Norte Gustavo Saint Bois” se lleva a cabo el 2° Encuentro de Muralismo en Montevideo organizado por el Colectivo Arte en la Escuela.(1)
    En el blog del grupo “enlaescuelaarte.blogspot.com” se encuentra información sobre el fructífero 1er. encuentro, realizado el 11 y 12 de mayo en Punta Rieles, con la participación internacional de 20 artistas plásticos.
    Repitiendo tan grata experiencia y redoblando esfuerzos se elige en esta oportunidad, homenajear a una de las más importantes obra mural de Latinoamérica y para ello, en este segundo encuentro nos reunimos a pintar en el mismo centro que lo hiciera este grupo de artistas guiados por su “Maestro” de forma solidaria hacia los enfermos de tuberculosis internados en aquella época.
    Para ampliar la historia de los mismos se sugiere visitar http://www.slideshare.net/galaviki/murales-de-joaqun-torres-garca-y-su-taller-en-el-hospital-saint-bois (Ctrl + clic sobre el link).
    La experiencia se llevará adelante en espacios interiores y exteriores del centro, participando 25 artistas plásticos seleccionados, durante los días 15, 16 y 17de mayo del presente año.
(1)_ Nuestro grupo llamado “Colectivo Arte en la Escuela” se dedica a la investigación de la didáctica de las artes plásticas y visuales y desde hace unos años interviene en diferentes ámbitos educativos, escuelas, colegios, ONG y otras instituciones tanto públicas como privadas.
      Dentro del campo de las artes plásticas se destaca nuestro trabajo en muralismo, habiendo realizado murales tanto en Uruguay como en Argentina. Representamos como delegados en Uruguay, al Movimiento Nacional de Muralismo Ítalo Grassi de aquel país.
   Participamos en disertaciones en diferentes encuentros, presentando nuestro proyecto e investigación “Arte en la Escuela” en la Ciudad de Tandil Provincia de BSAS EN 2010 Así como se diserto sobre la historia del Muralismo en Uruguay en el “Encuentro Latinoamericano de Muralismo” en la ciudad de Cosquín, Córdoba, Argentina.
   En nuestro país, en Montevideo, se brindan cursos de didáctica del arte, muralismo y arte contemporáneo, para docentes, educadores y estudiantes.
   Desde el año 2012 venimos pintando murales por toda la ciudad de Montevideo en diferentes proyectos;
   2012- “Murales por los Barrios” homenaje a 20 artistas nacionales abstractos de la segunda mitad del siglo xx.
   2013- Muestra fotográfica del proyecto “Murales por los Barrios”. Organización de Primer Encuentro Internacional de Muralismo en Punta de Rieles, Montevideo. Pintada de 5 murales para el programa “La infancia es capital de la IMM. Pintada de 6 murales en conmemoración del Año Interamericano de la Cultura para la IMM. Comenzamos proyecto para pintar 30 subestaciones de UTE en homenaje a cinco artistas nacionales.
   2014- Continuación del proyecto  para UTE. Organización de Segundo Encuentro Internacional de Muralismo en homenaje a los murales del hospital Saint Bois realizados por Joaquín Torres García y su Escuela del Sur.


Bases y condiciones para el artista y organización.
1.     La obra debe seguir las pautas del constructivismo practicado por el maestro Joaquín Torres García y su legado al arte universal. Teniendo preponderancia el concepto de “Estructura” basada en la divina proporción y la ortogonalidad, dejando a elección del artista la paleta de colores seleccionada. Próximamente enviaremos una mínima información sobre los conceptos aplicados en sus obras.
2.     Puede ser individual o grupal. En todo caso debe haber un mayor de 18 años responsable como artista plástico titular.
3.     La técnica a utilizar es acrílico al agua sobre MDF, ambos brindados por la organización del evento, pudiendo el artista agregar lo necesario para su obra.
4.     Puede ser plana o en relieve. En este último caso elegir una técnica firme y segura para su ensamble.
5.     Formato horizontal o vertical. Las dimensiones de los mismos varían entre (1.80 x 2.30) mts. aproximados y serán designados por los organizadores según los espacios a los que va destinada cada obra, previamente seleccionados.
6.     La mayoría de las obras quedan donadas al centro hospitalario, ante el compromiso del mismo de ser colocadas en el destino a la brevedad y otras a instituciones de la zona.
7.     La selección de los artistas se realiza por invitación personalizada o por elección basada en bocetos enviados previamente a colectivoarteenlaescuela@hotmail.com .
8.     La fecha de presentación de los mismos es desde el 15 de marzo hasta el 15 de abril,  pudiendo enviar hasta 2 diseños.
9.     Los resultados serán publicados en el blog del grupo a partir del día 20 de abril y notificado personalmente cada uno junto con un programa de actividades más detallado.
1.  El artista se hace cargo de los gastos de locomoción hasta el evento.
1.  La organización cubre los gastos de alojamientos para los artistas que viajan del interior del país o extranjero (en lugares ya destinados), alimentación y materiales de trabajo como acrílicos y MDF para todos los participantes. Los restantes materiales necesarios los trae cada uno.
.  El evento se extiende entre las 10 y las 18 horas los días jueves y viernes y de 9.30 hs. a 12 hs. el día sábado. Se espera visita del público los dos primeros días, por lo que el artista debe cubrir la mayor parte de su participación en los horarios indicados.



 Colectivo Arte en la Escuela. 2° Encuentro Internacional de Muralismo en Montevideo.

“Homenaje a los murales del Taller Torres García en el Hospital Saint Bois”. Mayo 2014.

Presentamos en este documento una brevísima información de las “Ideas fundamentales de Joaquín Torres García”, tomada del libro que lleva este nombre, de Zolá Díaz Peluffo.

            En este libro hemos encontrado un completo compendio de los más importantes principios del maestro en teoría y práctica del arte. No es intención su copia, sino tomar de él lo que creemos no debe faltar en la creación de las obras que esperamos se realicen en este 2° Encuentro Internacional de Muralismo en Montevideo, organizado por el Colectivo Arte en la Escuela.

“Como aquella mujer de la Biblia que gritaba ser madre o morir, juzgando la esterilidad como la mayor desgracia humana, también nosotros debemos exclamar: ¡Crear o morir!

                                                                                              Universalismo Constructivo, p. 225

IMITAR O CREAR. LA ACTITUD DEL ARTISTA

            Partimos de conceptos que no deben faltar en ninguna obra, como la necesidad de una estructura que organice todas sus partes, en una relación armónica, a aplicarse en una actitud creadora frente a la realidad.
            Cuando el artista escoge un tema a representar, éste se planta en dos actitudes posibles frente a la realidad. Con el uso de los elementos plásticos como líneas, formas, colores, puede imitar lo que ve en la realidad y lograr una apariencia real de la misma, o en cambio, puede crear en lugar de imitar, así los elementos plásticos valdrán por sí mismos y no como representación de lo otro. Así se logra pues la esencia del objeto en un llamado orden estético y no un orden real.
            Cuando estos elementos toman este valor, sin referencia a nada, la pintura es abstracta y no tiene nada que ver con la representación, como sucede con un plano de color, un ángulo o una forma, que tienen valor por sí.
            Encontramos entonces un primer consejo de Torres: partir de la naturaleza pero no imitarla, he aquí la creación y no la imitación. Al hacerlo, traducimos la realidad a nuestro sentir, con los elementos con los que cuenta el artista pasamos del orden real al orden estético. La imitación nos priva de percibir la emoción del artista, en cambio la creación es la expresión de sus emociones.
            “Por ser dada la realidad por esos equivalentes plásticos que vienen de la emoción y visión del pintor -elementos que han sido elaborados en su espíritu- decimos que la pintura es un arte abstracto, pues procede de ese trabajo del espíritu.” (U.C., p. 820)
            Así nuestro sentir se mueve en un plano estético, intuyendo tonos y estructuras que no existen en la realidad, pero sí son sugeridos por ella y existen en nosotros mismos plasmándolas en la pintura abstracta, basada en una estructura armónica, en unidad consigo misma. Como lo afirma también René Huyghe “no hay obra de arte cumplida sino a partir del momento en que los elementos sacados de la naturaleza o del alma, que se juntan allí, porque proveen la sustancia, son elevados a la unidad que hace de ellos una organización aislada, autónoma, bastándose a sí misma”. Se siente así la obra como algo independiente de la realidad, que vale por sí misma y no por lo que ella representa.



COLORES PUROS Y MEZCLAS DE COLORES

            “Mientras el color está solo, no está en ningún orden, pero si se alía al blanco o al negro, entra en el orden de la escala; es algo constructivo”. (R. del O., p. 145). Y esto es tanto como decir que el color ha pasado del orden real al orden estético, por lo cual sea cual sea el carácter de la obra, el tono-valor será siempre un elemento esencial (medio o vehículo) en ese pasaje de un orden a otro, pasaje que constituye el proceso de abstracción. Cuando el artista pinta con verde puro donde ve un verde o blanco puro donde ve blanco, no pasa de la realidad al plano de la estética. Para eso es necesario que el color entre en el tono, que sea valorado mediante su agrisamiento, que depende de la intensidad de la luz que tiene el plano de color. Es una mezcla para lograr el tono-valor en la que los colores no pierden su naturaleza intrínseca.

            En una pintura no naturalista en cambio, en una bidimensional que no toma en cuenta la luz en la forma que lo hace la pintura tridimensional, aparece el empleo del color sin mezcla, el uso de colores puros, ni con el gris ni con otro color.
            Defiende la creación de una pintura no tradicional, de un “contra-realismo” por oposición al “realismo imitativo tradicional” fundado en la imitación del aspecto de las cosas.
            “Ya no mira los objetos como antes, en bellos conjuntos, buscando luces y sombras, tonos y pasajes, lejanías, espacio... No; ahora se encara con ellos de otro modo: los mira con independencia de la luz, quiere ver lo que son ellos mismos; y  su forma y su color, para aprehender su realidad; su realidad efectiva, tal como todos ven las cosas y no en torcida visión de pintor. Si un objeto es blanco o negro, pondrá esos colores y no los mismos alterados por la distancia, la luz, el aire interpuesto y relativamente alterados por la vecindad de otros objetos; pues él está en la realidad absoluta de las cosas y no en su apariencia. Y tampoco los verá dentro del error visual que impone la perspectiva, sino geometralmente; como son y no como aparentemente parecen. ... en el plano en que se desarrollará la obra, concretamente tendrá que posponer los colores sin asesinarlos; es decir sin alterar su intrínseca naturaleza; sin mezclarlos: el rojo estará allí, él, solo, puro; y el azul; y el amarillo, y el blanco y el negro. Y quizás excepcionalmente, los secundarios o complementarios: el verde, el violeta y el anaranjado; pero ninguno más, porque esos solo son los fundamentales. Y allí estarán cada uno hablando su propio lenguaje; dejando oír su propia voz; que es la voz del color en la intrínseca arquitectura del universo: la descomposición  de los rayos luminosos que nos da el prisma; y aún allí, yendo a los primarios, a los puros, no a los compuestos” (U.C., p. 764).

            En la lección 142 de Universalismo Constructivo, julio de 1942, Torres, confirma su limitada aplicación de los colores puros que él aconsejaba. “Vemos, en cambio, que fue un error, pues sin tono no hay pintura. Debemos confesar que más de una vez, al configurar nuestras teorías, llevándolas luego a la práctica, caímos en ese errar, por falta de claro discernimiento en ver, donde había dos cosas (tono y color), una sola, que se nos presentaba en lamentable confusión. Sí estuvo bien, pues, (y tratándose de llegar a una nueva pintura) de desterrar la paleta (esto es, de mezclar los colores) tenía que pensarse que, para lograr la armonía, éstos tenían que emplearse de acuerdo con una regla bien precisa: que en toda composición (y ya procediéndose por tonos) debía irse del tono bajo al claro, por un tono intermedio; y que por tal motivo, si los colores no debían mezclarse en cambio debían ponerse a tono: hacerse más claros o más oscuros, por la sola adición de blanco o de negro” (U.C., p. 955).



LA LÍNEA

            La línea ha tenido diversas funciones a lo largo del tiempo. Así como la estructura es un elemento de la abstracción indispensable en la obra de arte, nace de la línea. En el arte constructivo adquiere valores propios: no está al servicio del objeto sino de la composición.  La geometría aparece como el alma de la obra, en cuanto a su estructura y arquitectura de figuras. Es prácticamente infaltable en el dibujo y éste como el creador de las formas que integran la estructura.
            El tipo de línea que ha empleado Torres mayormente es la que refuerza ciertas formas de color. Es generalmente negra y al respaldar determinadas formas, refuerza la estructura de la obra, o bien, apartándose de los contornos determinados por las formas de color, integra una estructura independiente de la que se crea con las manchas de color.
            Así pues, la función de la línea como otro elemento abstracto, como el plano de color que debe conjugarse con él de tal modo que se destaquen ambos con independencia. La línea de Torres es siempre valorada, más o menos ancha y más o menos intensa. Cuando la vemos acompañando la forma de color, toma el lugar hasta cierto punto de la profundidad que da el claroscuro sugiriendo casi la tercera dimensión.

LA ESTRUCTURA

            Es este el concepto que considera esencial en la idea central de su Universalismo Constructivo. “Sea que se pinte un cuadro o haga una estructura, el artista plástico tiene que pensar sólo en una estructura. Lo demás es ajeno al arte que practica.” (Est., p. 123).
            Es una existencia estética que tiene unidad, que no puede dividirse sin que se destruya su esencia, valiéndose del color y la línea que se traducen en formas de esta unidad. Siguiendo esta construcción o estructura se llega a la creación de un “mecanismo” para que funcione produciendo belleza. Así como en la música medimos los espacios en tiempo, en pintura medimos los espacios en la tela y en ambos casos buscamos la relación armónica.
           
Algunas Reglas básicas de la Estructura.

a- Primeramente utilizar formas geométricas. Porque la construcción exige el uso de elementos homogéneos y la realidad no lo es. Además la geometría es un lenguaje y tiene la virtud de abstraer. Así cada objeto pierde su carácter real y pasa a integrar la estructura. “Siempre que la geometría, la proporción y el ritmo dominen en ella, la obra será mejor que a la inversa. Si domina, pues, la naturaleza o cualquier otra expresión, tendrá que ser inferior”. (U.C., p. 267).

b- En segundo lugar ir de la geometría a la naturaleza y no a la inversa. Ese punto de partida que está en la naturaleza no es una base para deducir de ella la forma geométrica, o sea para hacer de ella una geometrización. Sino que la naturaleza nos ofrece como algo más importante que las cosas mismas, sus líneas y formas que son percibidas por nuestros sentidos. Éstas son las que pasarán al cuadro y surgirán los objetos, no al revés.
            “Puede decirse, pues, de la geometría a la naturaleza, y no a la inversa. La inversa produce lo decorativo que es lo detestable.
            Es la naturaleza obligada o forzada a ser geométrica; mientras que en el otro caso, es lo geométrico que, a la manera de un signo, y sin dejar de ser geométrico, trasunta algo real” (U.C., p. 40).

c- En tercer lugar, ley de frontalidad. Las formas geométricas se vincularán, como ya se dijo, unas a otras por su tono, por su dimensión, por su distribución, para lo cual debe seguirse también algún criterio o normas, una de las cuales es esta que estamos considerando. Con la frontalidad desaparece la tercera dimensión en el cuadro y se excluye el naturalismo. La perspectiva y  las diagonales se suprimen.
            Se aplica a la forma y también al tono. Éste debe estar puesto con frontalidad, en equilibrio, sin que haya huecos y sin que ninguno se salga del tono, de la superficie del lienzo.” (Lo A. y lo C” en Arte p. 11).

d- En cuarto lugar la ortogonalidad. Impuesta por la frontalidad, donde los elementos plásticos se disponen predominantemente en verticales y horizontales. Estas determinan el ancho y el alto de los objetos, fácilmente medibles, con un ángulo resultante recto, considerado como el ángulo correcto. También influyen los límites del cuadro, como orden en la estructura.

e- En quinto lugar la sección áurea o la “divina proporción” como sistema de proporciones. Ella marca la relación armónica entre las diversas partes del todo, un ritmo integrante de una estructura o sea de un todo ordenado con unidad plástica. Se relaciona una medida con otra en función del número áureo o puede construirse el compás que determina esta proporción para trabajar con él.

f-  Equilibrio en la estructura. En ella los diferentes elementos de la composición, espacios, planos, colores, deben relacionarse como cosa indispensable para lograr unidad y equilibrio, en que se compensan diferentes pesos visuales. Para lo cual Torres aconsejaba partir de lo asimétrico y el desequilibrio para restablecerlo.

miércoles, 25 de diciembre de 2013

TALLERES PREPARATORIOS A JORNADA DE PINTADA MURAL. ESCUELA 341 ARTILLEROS ORIENTALES COLECTIVO ARTE EN LA ESCUELA


MURAL BASADO EN OBRA DE JOSÉ GURVICH.
COLECTIVO ARTE EN LA ESCUELA ESCUELA 341.

GRUPOS: Inter nivelar

ACTIVIDADES: análisis de diversas obras de Gurvich, realización de listado con diversos elementos que pudieran utilizarse como símbolos en su historia escolar.

DESARROLLO: 
·         Breve presentación del colectivo y de los  trabajos a realizar para pintada del mural.
·         Observación y análisis de diversas láminas de obras de Gurvich (período cósmico) en pequeños grupos, prestando especial atención a lo narrativo-simbólico de las mismas; composición y objetos pintados.
·         Registro en el pizarrón de elementos encontrados.
·         Realización de listado con elementos que pudieran  utilizarse para simbolizar y narrar plásticamente su historia escolar
·         Registro en el pizarrón de elementos pensados por los niños y niñas para realizar un paralelismo y comparación de símbolos.

OBJETIVO:
·         Que los niños puedan recurrir y utilizar el recurso narrativo del símbolo  así como la composición onírica de Gurvich para plasmar las múltiples experiencias de vida que proporciona el pasaje por la escuela.

MATERIALES: valija de trabajo del museo Gurvich, pizarrón, tizas, hojas, lápices.

BIBLIOGRAFIA:
·         “A GURVICH NADA DEL ARTE LE FUE AJENO”. Separata de el diario El pais en el marco de la exposición  retrospectiva de José gurvich. Setiembre 16,17,18 del 2003.
·         “ Un canto a la vida. José Gurvich” Alicia Haber con el apoyo de el Pais. 1999
·         “Arte Uruguayo de los maestros a nuestros días” colección de arte uruguayo, El pais- Testoni estudio.










































PINTADA MURAL CON 6TOS AÑOS ESCUELA 83 BASADOS EN JOSÉ GURVICH.COLECTIVO ARTE EN LA ESCUELA 2013